Rembrandt: biografia, características, obras, película y mucho más

Rembrandt es considerado el máximo expositor del arte barroco de la Edad de Oro neerlandesa, cuya monumental obra se caracteriza por destacar el detallismo, la humanidad y la luz, generando un estilo propio implementado tanto en sus pinturas como en sus grabados.

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Biografía

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Países Bajos, en el seno de una familia acomodada de 9 hijos, su padre fue Harmen Gerritzoon van Rijn, quien trabajaba en molinos y su madre Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck, descendiente de un panadero, labores muy lucrativas en aquel momento.

La educación básica recibida de Rembrandt era en latín, más adelante ingresó a la Universidad de Leiden, desde aquel entonces ya era perceptible su afinidad por las artes plásticas, específicamente la pintura por lo cual se convirtió en el pupilo del histórico artista de su pueblo natal  Jacob van Swanenburgh, el cual lo acompaño en sus estudios por tres años.

Luego de un corto pero intenso período de dos trimestres estuvo bajo la tutoría de Pieter Lastman, afamado pintor, en Ámsterdam. Entre 1624 y 1625 abre su propio estudio en Leiden, en el cual trabajaba junto a su coterráneo Jan Lievens. Posteriormente en 1627, Rembrandt inició su carrera como profesor de arte, uno de sus más reconocidos alumnos fue Gerrit Dou.

Dos años más tarde, Constantijn Huygens estadista y padre del insigne físico Christiaan Huygens, descubrió a Rembrandt, gracias a esta relación el artista logró realizar importantes pedidos a la corte de La Haya. Un importante hecho que surge de este nuevo lazo fue la adquisición de varios cuadros de Rembrandt por parte del príncipe Frederik Hendrik, hasta el año de 1646.

Culminando el año de 1631, Rembrandt se trasladó a Ámsterdam, metrópolis que para el momento presentaba un rápido crecimiento económico debido a los negocios comerciales, en seguida comenzó a realizar trabajos como retratista de profesión, obteniendo avances prósperos. Residenciado momentáneamente en la vivienda de un marchante de arte cuyo nombre era Hendrik van Uylenburg, en 1634 se casó con su prima Saskia, quien era una chica procedente de una familia de alta alcurnia, hija menor de un profesional de las leyes y jefe de gobierno del distrito de Leeuwarden. (ver artículo: Fernando Botero)

Saskia

La joven había quedado huérfana, por lo que tuve que mudarse con su hermana quien se encontraba en Het Bildt. Un año más tarde la recién casada pareja se estableció en su nueva vivienda ubicada en el costoso barrio de Nieuwe Doelenstraat; transcurridos cuatro años se mudaron nuevamente a la Jodenbreestraat, en el naciente barrio judío, más pudiente que el anterior. El estar rodeado de judíos le ofreció al artista la posibilidad de toparse con fisionomías y rostros muy propicios para la elaboración de los cuadros del Antiguo Testamento que en ese momento estaba iniciando.

A pesar de la prosperidad económica percibida en sus inicios, el matrimonio tuvo numerosos inconvenientes a lo largo del tiempo, alguno de estos reveces comenzaron a partir de la muerte de su hijo Rumbartus con apenas dos meses de vida, hecho que ocurre en 1635, posteriormente en 1638 su hija Cornelia también fallece a los tres meses de nacida, dos años más tarde Rembrandt y Saskia tuvieron su segunda hija, llamada Cornelia al igual que su hija anterior, sin embargo corrió la misma suerte y al cabo de un mes murió; posteriormente en 1641 Saskia da a luz a su cuarto hijo llamado Titus van Rijn, quién logra alcanzar la edad adulta.

En 1642, Saskia partió físicamente un año después de haber dado a luz a Titus, a causa de una infección tuberculosa. Este acontecimiento fue retratado por Rembrandt, imágenes de los dibujos que realizó cuando su pareja se hallaba en su lecho de muerte las cuales causan profunda conmoción.  De igual forma, Mientras Saskia padecía la enfermedad, le pagaron a una niñera para que atendiera a Titus, la mujer se llamaba Geertje Dircx y según historiadores son altas las probabilidades de que haya sido amante  de Rembrandt.

Geertje tiempo después acusó al pintor de jurar en falso y obtuvo una compensación de doscientos florines anuales; Rembrandt se enteró de que varias de las joyas que le había regalado a su difunta esposa, habían sido empeñadas por la joyería, por lo cual hizo lo que estaba a su alcance por mantenerla en hospicio para personas de escasos recursos en Gouda, por al menos doce años.

Comenzando la década de los cuarenta Rembrandt inició un amorío con una joven mujer llamada Hendrickje Stoffels, quién le había prestados servicios como asistente de hogar, cabe señalar que debido a que dio a luz a su hija Cornelia la iglesia a la cual pertenecía, le envió un memo donde la acusaban de haber cometido actos inapropiados de prostituta con Rembrandt, por lo que tuvo que admitirlo públicamente para ser excomulgada. Por su parte el artista no enfrentó ninguna penalidad, ya que no formaba parte de dicha iglesia reformada. A pesar de que la unión matrimonial era completamente legítimo ante la ley, Rembrandt se negó a casarse con Hendrickje con la intención de resguardarle la herencia a su primogénito Titus, fruto de su unión con Saskia.

Rembrandt permanentemente se encontraba viviendo muy por encima de como realmente podía, sobre todo por las grandes inversiones que hacía en arte, que usaba en sus creaciones, y también variedad de objetos curiosos. En 1656 el pintor se vio en la necesidad de colocar en venta gran parte de sus obras, así como de su colección de antigüedades, puesto que los tribunales ya le tenían impedido declararse en quiebra.

El listado de los objetos vendidos sigue preservado, y muestra la manera en la que el artista poseía cosas materiales, por ejemplo se encuentran las obras de los ancianos maestros flamencos, figuras de emperadores de la antigua Roma, trozos de armaduras de guerreros japoneses, objetos curiosos importadas de Extremo Oriente, además de una colección de minerales naturales singulares.

Dichas subastas se dieron lugar entre 1657 y 1658, sin embargo no obtuvieron los beneficios esperados por el artista neerlandés, por lo cual en 1660 optó por vender su casa y su estudio donde realizaba los grabados, en tanto se mudó a un modesto apartamento situado en Rozengracht. Rembrandt era considerado un personaje de gran influencia, y así como las autoridades sus acreedores normalmente le tenían mucha tolerancia.

Contrariamente, para la sociedad de pintores de la capital representaba un constante escándalo, en consecuencia modificó sus normativas con el objetivo de que se le negase la comercialización como pintor a todo aquel que presentase las mismas circunstancias de precariedad en las que se encontraba Rembrandt. Evitando esta nueva normativa, en 1660 Hendrickje y Titus dieron inicio a su propio negocio de ventas en el área artística, en el cual Rembrandt era un trabajador.

Fue entonces que en 1661, la agencia de arte inaugurada por Hendrickje y Titus, se le encargó la realización de una obra para el  ayuntamiento construido recientemente en esa época, petición que ocurre luego de que Govert Flinck, el pintor que recibió el encargo en un principio muriera sin haber realizado ningún adelanto del cuadro. Desafortunadamente, la pintura que presentó Rembrandt denominada La conspiración de Claudius Civilis, no fue aceptada y le fue regresada; actualmente solo queda un fragmento preservado y representa una parte de aquella obra. (ver artículo John Nash)

En ese momento ya Rembrandt se encontraba delicado de salud debido a su avanzada edad y aquejado por la pobreza en la que estaba sumido, aceptó impartirle enseñanzas artísticas a Aert de Gelder, quien fue su último pupilo. Aún en 1662 le eran encargados retratos de gran importancia a personajes de relevancia, para muestra el propio Cosme III de Médici, gran miembro de la nobleza de Toscana fue hasta la residencia de Rembrandt cuando se encontraba en Ámsterdam.

En 1663 falleció Hendrickje y más adelante en 1668 muere su hijo Titus, específicamente el 7 de septiembre, quién lo convirtió en abuelo. Tras sobrevivir a estas pérdidas Rembrandt muere el 4 de julio de 1669, fue sepultado en un nicho sin identificación en Westerkerk, en Ámsterdam.

Museo de Rembrandt

El Museo Casa de Rembrandt, es un museo cuya intención es dedicar un tributo a Rembrandt y a su obra artística, el mismo está situado en la vivienda en la que estuvo residenciado el pintor, usada también como su estudio durante diecinueve años desde 1639, en Ámsterdam.  La institución encargada de la adecuación del inmueble como museo fue la Fundación Rembrandthuis, por petición del pintor Jozef Israëls, fue adquirido por la fundación el 28 de marzo de 1907; el museo abrió sus puertas en 1911 ante la figura de la Reina Wilhemina.

La estructura se encuentra compuesta por dos edificaciones, sin embargo se puede notar claramente la sección añadida de la casa, en la cual se realizan las exhibiciones temporales y en donde se encuentra la tienda y la sala de reuniones.

El artista neerlandés se mudó a esta casa en 1639 y vivió en ella hasta 1658, según la adquisición de la vivienda le pudo haber costado una verdadera fortuna a Rembrandt. Luego de caer en quiebra se ve imposibilitado para mantener la casa, por lo cual tuvo que mudarse a un modesto local alquilado en Rozengracht; por efecto de su situación económica la casa fue subastada y convertida en dos viviendas, por lo que albergó a diversas familias.

El transcurrir de los aos hacen efecto en el inmueble por lo que se fue desgastando, sin embargo Ámsterdam inicia su recuperación en 1906, comprándola y restaurándola en consecuencia con los documentos originales que  afortunadamente estaban conservados, por lo cual reajustan la casa a como era cuando fue adquirida por Rembrandt. La sala que fungía como taller de arte para el pintor, el área de la cocina, varios cuartos y  un espacio en el cual se presentan los elementos que servían de modelo para Rembrandt, conforman las secciones visitables del museo que otorgan un viaje por la vida del artista.

En el recorrido dentro de las instalaciones el público puede percibir un acercamiento a la obra de Rembrandt, tanto en sus pinturas como en sus más de 250 grabados expuestos; además se pueden observar cuadros de otros pintores de la misma época que el pintor, de alumnos a los cuales les impartió clases hasta de algunos maestros que tuvo.

El museo contiene unos 260 grabados, los cuales pertenecen a una colección de 290 grabados realizados por Rembrandt. Culminando el siglo XX fue ejecutada una segunda edificación la cual alberga la colección de dibujos y pinturas. (ver artículo: Vincent van Gogh)

Obras de Rembrandt

A lo largo de toda su vida, Rembrandt se consagro como un gran artista y pintor, aunque su verdadera fortuna y fama vinieron luego de su muerte; sin embargo, dejo un legado de grandes obras que han persistido hasta hoy en día.

Dánae

Dánae es una obra llevada a cabo por Rembrandt en 1636 modificada luego por el artista, pintura sobre lienzo que en la actualidad se encuentra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.

La gran parte de los cuadros encargados al artista eran de motivos religiosos, sin embargo algunos miembros de la clase burguesa de Ámsterdam le realizaban pedidos con temática mitológicas, en las que se perciben escenas de mujeres desnudas como es el caso de esta obra.

Dánae en la mitología es la hija de Acrisio, gobernante supremo de Argos, quién fue prisionera por mandato de su padre en una fortaleza de bronce con la intención de impedirle que tuviese descendientes puesto que el oráculo de Delfos predijo que el descendiente de Dánae acabaría con la vida de Acrisio, a pesar de ello el dios Zeus quedo marcado con la belleza da la mujer y pudo adentrarse en la torre pues se había convertido en lluvia de oro. Como resultado de la relación entre ambos nació Perseo, guerreo que efectivamente culminó con la vida de su abuelo, cumpliendo la predicción del oráculo.

El autor ha mostrado a la hermosa mujer con el cuerpo desnudo reposando sobre su cama, proyectándose un rayo de luz sobre ella que se presume indica el ingreso de Zeus a la torre transformado en lluvia de oro, en el fondo se puede visualizar a la anciana que vigilaba a la bella joven, quien se apersonó al percibir que algo estaba pasando.

Al igual que muchos otras pinturas de cuerpos femeninos desnudos hechos por Rembrandt, Dánae expone una gran belleza, posee proporciones armónicas, expresando el modelo de belleza ideal de aquel entonces. El reflejo de la luz en tonos dorados bordea todo el contorno de la figura de la chica, lo cual produce llamativos claroscuros que le dan mayor  realismo a la imagen.

Con el objetivo de otorgarle mucha más riqueza a la obra, el maestro recurrió a una cama de color bronce con cubierta ornamental de madera, adornada por un niño desnudo con alas que representa a Cupido, dios del amor, de color oro que se percibe triste por reclusión de la chica, esta se encuentra cubierta de telas muy bien detalladas, manifestando la excelente calidad artística del autor.

En 1985 Bronius Maigis, procedente de Lituania, violenta el cuadro esparciéndole ácido sulfúrico y realizando rasgaduras con un cuchillo. Transcurridos 12 años de exhaustiva restauración la pintura fue exhibida en el sitio de origen, ahora resguardada tras un vidrio antibalas. El Museo del Hermitage obtuvo el cuadro en 1772, debido a que fue adquirido por Catalina II. (ver artículo Maquiavelo )

La Cabeza de Cristo

La Cabeza de Cristo es un cuadro realizado por Rembrandt en el año 1650, pintura al óleo que escenifica a Cristo con barba y de cabello largo castaño oscuro, está resguardado en la colección del Metropolitan Museum of Art situado en la ciudad de Nueva York.

El autor pintó varias cabezas parecidas pero en distintas posiciones, se cree que fue con motivos de devoción. En la actualidad se tienen registros de doce cuadros de este estilo, la que se encuentra en el Metropolitan Museum, proviene del legado hecho por Isaac D. Fletcher.

La obra se incluyó en gran parte de los álbumes del siglo XX del pintor neerlandés,  en tiempos recientes ha sido discutida puesto que se rechazó como autógrafa en la última versión de estos álbumes, llevada a cabo por el Proyecto de Investigación Rembrandt. A pesar de ello, sigue relacionada con el taller del pintor y se colecciona en conjunto con las otras cabezas. Esta se anexó a la exhibición ejecutada en el 2011, la cual se dio a lugar en los museos del Instituto de Arte de Detroit, en Filadelfia y en el Museo de Louvre de París, durante casi un año.

Antes de iniciar la década de 1660, el artista se encontraba casi en quiebra, por lo que un tribunal dio la orden de inventariar el contenido de su vivienda en Ámsterdam puesto que se realizaría una subasta. Entre las obras que se encontraban en la lista aparecían 3 pinturas pequeñas dimensiones de Jesús, llamadas “Cabezas de Cristo, hecha en vida”

Nombra bastante llamativo, sin embargo los especialistas proponen que el significado proviene de la forma en que fue realizada la obra, para ello suponen que Rembrandt recurrió a un modelo vivo para sustituir a Jesús. Si verdaderamente el cuadro entra en la amplia obra del artista, lo más probable es que dicho modelo lo haya conseguido en el barrio judío en el que vivía.

Quizas las circunstancia presentes en los cuadros puede que no estén del todo claras, sin embardo esta colección de rostros de Cristo que se exhiben en la galería llamada “Rembrandt y el rostro de Jesus”, presentada en el Museo, da muestra de un  intrépido y controversial transformación en la imagen de uno de los personajes históricos más pintados del arte occidental, este cambio se percibe principalmente en el énfasis que hizo el maestro en sus rasgos étnicos, pues si bien se sabe que Cristo era judío, anteriormente no se había recalcado tanto esta característica como en estos cuadros , así como también se percibe mayor humanidad en el rostro.

Artemisa

Artemisa representa una de las obras más relevantes de Rembrandt, se encuentra actualmente en el Museo del Prado en Madrid, capital de España. Pintura al óleo, realizada por el artista en 1634. Posee las siguientes dimensiones, 127 cm de altura y 143 cm de largo. Cabe destacar que se descubrió recientemente que el título original de la obra no es Artemisa, ya que la imagen es la representación de una escena de la biblia llamada,  Judit en el banquete de Holofernes.

En la obra se puede ver a una chica que posee una vestimenta de lujo y joyería a la que una asistente doméstica entrega una copa; algunos piensan que la modelo del cuadro fue su conyugue para el momento, Saskia  van Uylenburgh con quién se unió en matrimonio en 1634, año en el que realizó la pintura. La joven está posando con un vestido ancho y  descansa su mano derecha sobre la parte baja de su barriga, lo que le hace pensar a los críticos especialistas que su esposa estaba en gestación cuando posó para el cuadro.

Durante muchos años existió la interrogante de cuál era el pasaje de la historia o de la mitología que quiso representar Rembrandt. Hasta que en el año 2009 el Museo del Prado descubrió que la mujer representa a la heroína Judit, mujer que aparece en la biblia para defender a su pueblo del hostigamiento de las fuerzas opresoras de Holofernes, por lo que se presentó en el campamento de este, comió junto a él y lo acompaño hasta que por beber demasiado cayó dormido, es entonces cuando Judit lo degolló.

Las imágenes de la decapitación son muy comunes en las pinturas bíblicas, Tintoretto y Caravaggio, están dentro de los tantos artistas que retrataron esta escena, sin embargo los imágenes previas a este suceso en donde Judit se encuentra cenando son un poco extrañas de ver, por lo que se justifica la ausencia de su identificación durante tanto tiempo, aunado al hecho que Holofernes ni siquiera se encuentra en la imagen, únicamente la heroína y no se percibe muy bien la alusión de la gran cena.

En el fondo, bajo la penumbra se puede distinguir a una sirvienta que carga un saco, debió ser la compañera que ayudó a Judit en el asesinato, esperando la cabeza de la víctima. Originalmente el fondo era de tonos menos oscuros, apreciándose una especie de cortinas en los bordes, lo que daría la impresión de una tienda de campaña, concordando con la historia de Judit.

El nombre de Artemisa proviene de la creencia que existía anteriormente sobre el pasaje que representaba la escena, en donde se exponía el relato de la reina Artemisa de Caria, mujer que quien bebe las cenizas de su difunto esposo Mausolo, como muestra de su amor.

La obra se presentó con el nombre real, culminando el año 2009, en una galería de pinturas holandesas llevada a cabo por el Museo del Prado.

Retrato de Jan six

Jan Six, es una obra realizada por Rembrandt que como su nombre bien lo indica, conforma un retrato de Jan Six, quien fue un próspero comerciante y alcalde de la ciudad de Ámsterdam y un ferviente admirador del arte, como demostración dejo una importante herencia de colecciones artísticas, las cuales están resguardadas en un palacio de la ciudad, baja la custodia de sus descendientes. El retrato de Jab Six forma parte de dicha colección y fue realizado por el maestro en el año 1654.

El enlace que existía entre Rembrandt y Jan Six, iba más allá de una relación entre artista y cliente, pues se tiene registro de que gracias a los préstamos que les haría el comerciante, el artista pudo solventar alguna de sus deudas.

En esta obra se puede percibir la admiración que el pintor sentía por el Six, ya que en el cuadro Rembrandt deja fluir todo su arte para mostrar a plenitud su estilo, presentando al modelo, cuyo cuerpo lo realizo con de pinceladas amplias llegando casi a una cualidad impresionista, en una pose relajada, al mirar de manera casual al receptor, quitándose o colocándose los guante.

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp es una obra que pertenece al gran repertorio de pinturas al óleo sobre lienzo de Rembrandt, fue pintada en 1632; la misma posee en altura 169.5 cm y en anchura 216.5 cm. En la actualidad se encuentra resguardada en el Mauritshuis de La Haya.

Al momento de realizar la pintura Rembrandt tenía 26 años y es el primer retrato que hace de un grupo de personas. Fue un trabajo solicitado por el importante gremio de cirujanos, representado principalmente por el Dr. Nicolaes Tulp, quién poseía bastante fama en Ámsterdam. Para 1828 se declaró el cuadro en venta para colaborar con la caja de las esposas de cirujanos que fallecieron. Al enterarse de la venta del cuadro el rey Guillermo I enseguida mandó a adquirirlo para añadirlo a su “gabinete real de pintura”

En la pintura se percibe una clase de anatomía realizada por el Dr. Tulp a un equipo de cirujanos. Tulp se encuentra exponiendo los músculos pertenecientes al brazo dirigido a médicos profesionales.  El cuerpo  exhibido es del delincuente Aris Kindt que tenía 41 años de edad, y lo habían ejecutado en la horca horas antes por haber robado con pistola.

La escena tiene fecha de 16 de enero de 1632, el gremio de cirujanos neerlandeses centrados en Ámsterdam, realizaba únicamente una disección de carácter público anual, en época de invierno para garantizar una apropiada conservación del cuerpo mientras se realiza el evento, y éste debía pertenecer a un delincuente procesado con pena de muerte.

Debido a estos requerimientos, los cursos de anatomía con disección durante los años 1600 eran eventuales y llamativos, llegando a ser acontecimientos sociales importantes; cuyo escenario era generalmente una sala de reuniones o simposios muy parecido a los teatros, en el caso del retratado en el cuadro de Rembrandt se trata del teatro Waag, al cual asistieron estudiantes, otros especialistas del área, y entrada general mediante el pago por ingresar al evento, cuyo vestuario es tan elegante como lo ameritaba la ocasión. Se cree que, exceptuando las formas presentes en segundo plano y a la izquierda del cuadro, las personas fueron incorporadas al mismo posteriormente.

Esta obra contiene varias restauraciones, todas realizadas cuando aún Rembrandt se encontraba con vida, estas modificaciones de pueden distinguir al pasar la pintura por rayos X. Se distinguen dos propiedades muy curiosas, la primera es que el brazo al cual se le realiza el estudio tiene mayor longitud que el derecho, por lo que se asume que la persona que poso es de otro supuesto paciente, segundo se percibe un falla anatómica, ya que la musculatura correspondiente al flexor superficial no se injerta en el húmero, lugar en el que fue dispuesto en la pintura.

Dentro de la escena está ausente el preparador, quién tiene la labor de acomodar el cadáver para la disección; en aquella época un personaje tan importante dentro de la comunidad médica como el doctor Tulp, no realizaba las actividades menores y sanguinolentas correspondiente a esta lección, por lo que dichas actividades eran ocupación de otra persona. Por ello en el cuadro no se observan los instrumentos de corte, en su lugar se observa en la parte baja de la imagen hacia el borde derecho, un gigantesco libro abierto de anatomía.

Muchos críticos alaban los detalles y la perfecta ejecución de posicionamiento de  la musculatura y los tendones, destacando lo joven que era el artista para el momento. Aun es desconocida la fuente de sus nociones en el área, pero es muy probable que se basara en bibliografías de anatomía.

Descendimiento de la cruz

El Descendimiento de la cruz es una obra ejecutada por Rembrandt en 1633. Es una pintura al óleo sobre tabla, cuyo alto es de 89.4 cm y de ancho posee 65.2 cm; la misma se encuentra resguardada en la Alte Pinakothek de Múnich, Alemania. El cuadro pertenece a una colección de siete pinturas cuya temática gira en torno a la Pasión y se llevaron a cabo por encargo del gobernador de los Países Bajos de la época, Federico Enrique de Orange.

El maestro neerlandés hizo uso de las secciones de luz y de sombra para enaltecer la humanidad que posee el sacrificio, el dolor y el sentimiento de desprecio hacia la muerte. Realza la decaída luminosidad de la sábana lúgubre y la palidez de la piel de Jesús.

Rembrandt seguramente ya conocía la pintura que había realizado Rubens contenida en la misma temática a petición de la catedral de Amberes, unas dos décadas anteriores. Al distinguir las diferencias entre ambos cuadros se puede decir que Rembrandt no se enfocó mucho por enaltecer la divinidad de la escena sino en representar lo terrenal, algo más realista.

Aristóteles contemplando el busto de Homero

La obra se titula Aristóteles contemplando el busto de Homero,  pertenece al gran legado del pintor Rembrandt, quién la realizó en 1653, posee una altura de 143.5 cm y 136.5 cm de ancho. Está preservada bajo la custodia de uno de los museos más prestigiosos del mundo, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York .

Representa la primera pintura de una serie que abarca la temática de Alejandro Magno y Homero, para celebrar a uno de los personajes más importantes de la antigua Grecia. En el cuadro Aristóteles  posa su mano derecha encima de la figura que representa a Homero, en tanto que su extremidad izquierda se encuentra encima de una cadena dorada de la cual está guindada una imagen de Alejandro Magno, el que fue su pupilo. Mediante esta configuración logra exponer sus otras dos pinturas de la seria, de una manera alusiva.

La obra fue un encargo del siciliano Antonio Ruffo, quien pertenecía a la nobleza; por el cuadro ofertó 500 florines una cantidad bastante alta de dinero para el momento, y le llego a manos de Mesina en 1654.

Los familiares de Ruffo preservaron la pintura hasta casi culminar el año de 1760; una vez estando el cuadro en Inglaterra, fue adquirido en 1928 por el aficionado de arte Alfred Erickson originario de Estados Unidos, posteriormente casi 40 años después pasó al resguardo del Museo Metropolitano cuyo valor  superaba los dos millones de dólares americanos, la mayor cantidad que había invertido la institución por una pintura hasta ese momento.

Analizando la obra, el artista neerlandés presenta la figura de Aristóteles observando pensativamente la escultura de Homero, se distingue un armónico reflejo lumínico entre los dos personajes, y justo se hace más potente don se supone que las miradas se intersectan, es una luminosidad que da la sensación que proviene de las sombras.

La vestimenta que posee Aristóteles es característica de los mercaderes de la Holanda del tiempo de Rembrandt, la cadena dorada que posee alrededor del cuerpo se distingue de otras obras del retratista y forma una alegoría a los obsequios que les eran dados a los artistas de sus mecenas.

Se planta como un hombre de avanzada edad, mientras el que fue su pupilo Alejandro Magno se encontraba dispuesto para la ocupación del imperio; pareciese que meditara sobre la conquiste de Alejandro Magno, sus proyecciones materiales, contraposición al espiritualismo e idealismo personificado en Homero.

Sagrada Familia

El nombre completo de la pintura al óleo que ejecutó Rembrandt en 1645 es Sagrada Familia con ángeles, la cual pertenece a la galería del Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia.

La escena retratada en la obra se enmarca en el taller de carpintería de José, la imagen tiene poca luminosidad, José se encuentra en plena faena laboral, lo primero que llama la atención es  Jesús y a María en el pesebre, alumbrados por un destello que puede decirse que proviene de la parte inferior. María tiene en sus piernas un texto abierto, se cree que es un texto bíblico y que da la impresión que dejó de leerlo para atender a Jesús, que está durmiendo.

En la pintura existen un par de simbolismos más que hacen referencia al Salvador: el primero es que José se encuentra haciendo sus labores en un yugo, un instrumento que no le gustaba mucho a este personaje según retratos de la biblia, por lo que puede decirse que estaba obediente al destino de salvación de Dios. El otro simbolismo se ubica en la sección de arriba del cuadro hacia la izquierda, los ángeles bajan hacia donde está María y el niño Jesús, uno de ellos como forma de protección para el niño extiendo los brazos.

El autor muestra todo el conjunto como si se tratase de una situación de la vida diaria, sin enfatizar tanto en la divinidad del concepto, al no pintar ninguna simbología sagrada. La obra es característica del estilo artístico del Rembrandt  residenciado en Ámsterdam, en donde la iluminación tiene el rol principal, la presencia de la luz sobre los personajes de María y el Niño Jesús, lo que genera contraste con el fondo oscuro, remarcando el contraste entre los claros y lo oscuro.

La zona de mayor luz posee mayor detalle, distinguiéndose claramente la textura de las telas y la nitidez del manto que cubre a la madre, así como las mantas del pesebre haciendo hincapié en el realismo  de la escena. Debido a las grandes dimensiones de la pintura, el artista se esmeró por realizar un detallado minucioso. Las áreas que se encuentra entre la claridad y las sombras, al igual que la sección más iluminada, se pueden observar perfectamente los objetos, sobresaliendo las herramientas que se ubican en la parte posterior, sin embargo no se esmeró tanto en el detallado, se puede obsrvar que esta sección la realizo con mayor rapidez.

Le escena que presenta Rembrandt es bastante cálida, se puede apreciar la humanidad en toda la composición, remarcada por el accionar de María al cubrirle los pies a Jesús para resguardarlo de la brisa fría, aunado a el pecho que María tiene al aire puesto que estaba alimentando a su hijo y a al cariño que transmite con la mirada José, quien se presenta con menos edad que como es retratado normalmente, lo que indica una integración familiar llena de afecto y protección. Las tonalidades usadas por el artista no son muy llamativas, de hecho son tonalidades planas, muy sobrias que se avivan con el rojo y el blanco, sin embargo la sensación de todo el conjunto es un poco melancólica.

Comentario de La ronda de noche

La ronda de la noche, es el título de uno de los cuadros de mayor fama en el medio artístico realizada por el artista neerlandés, la ejecución del mismo duró aproximadamente dos años desde 1640. Esta obra es una de las más visitadas en la exhibición permanente del Rijksmuseum ó Museo de Ámsterdam.

Importante obra artística en la cual Rembrandt retrata a la fuerza militar del capitán Frans Banning Cocq en el instante en el que el hombre está dirigiendo a su alférez, da la sensación de que ordenase algo, así lo indica su pose y su boca abierta. Detrás de estos personajes se visualizan los miembros de la milicia, quienes costearon un promedio de cien florines a Rembrandt por el honor  que sus caras aparecieran en medio de los miembros de la Compañía, misma que resguarda la seguridad y la libertad de la población holandesa, debido a esto era realmente valorada.

La imagen se muestra en un espacio abierto, originalmente está de día contrario al nombre del título, lo que ocurrió es que al transcurrir los años el fondo se fue opacando lo que produce un ambiente nocturno, en realidad no fue sino hasta después del siglo XIX que se nombró La Ronda Nocturna o de La Ronda de Noche, anteriormente se conocía como La Milicia del capitán Frans Cocq.

En la época en que fue elaborada esta obra, era muy común pintar escenas militares, en la capital neerlandesa. Sin embargo este cuadro se destaca por el realismo que implanto Rembrandt en la imagen, pintado perfectamente las caras y plasmando de forma magistral la actitud de cada uno de los personajes, dando la percepción de estremecimiento y de vitalidad casi imposible de mejorar.

Los contrastes entre los claros y los oscuros parecen proceder de la influencia generada por el tenebrismo de Caravaggio, realzado en gran parte debido a la sombra producida en la colorida vestimenta de los hombres, exceptuando el traje rojo de la izquierda y el blanco de los bordes de las camisas.

Cabe señalar como el pintor destaca la luz en los objetos de metal, generando el brillo particular que  produce el reflejo de la luz en este material, añadiendo más toques realistas. Así pues realza los personajes principales, reduciéndole la nitidez a las figuras de fondo dando la percepción de nube de polvo o de vapor entre el primer y el segundo plano.

Una vez que salió a la luz la crítica no fue muy receptiva, de hechos estuvo al margen de la pintura; añadiendo el fallecimiento de su esposa el mismo año, se podría decir que desde entonces inicó un período de declive.

Rembrandt retrataba muchas escenas de contenido religioso, La cena de Emaús o también llamada Los discípulos de Emaús pertenece a esta temática, pues en ella se muestra la imagen de una de las historias del Evangelio de Lucas.

Influenciado por el tenebrismo, el artista realiza la pintura enfocándose en la oposición entre lo claro y los oscuro, entre la iluminación y las sobras. La luz que aparece en la escena genera una especie de reflector como lo hicieran famosos artistas del siglo XVI, la imagen muestra a uno de los discípulos se impacta al ver a Jesucristo nuevamente luego de que este había resucitado, mientras comen juntos en el lugar de Emaús. Únicamente se  encuentra la forma de Jesucristo, a su  vez en segundo plano se ve otra forma, esta es la del segundo discípulo, enmarcada bajo un tipo de iluminación de tonalidad anaranjada. Estos estilos de luminosidad remarcan el aspecto dramático de la obra y la sensación de  asombro, gracias al gesto del discípulo.

El rapto de Europa

El rapto de Europa es una pintura de óleo sobre tabla realizada por Rembrandt en 1632, la misma tiene un alto de 62 cm y un ancho de 77cm. Preservada por el Museo Paul J. Getty, ubicado en Las Angeles.

La imagen que pintó Rembrandt en ésta obra se basa en uno de los relatos de Las metamorfosis de Ovidio;  según dice la historia poética del escritor romano, el dios Júpiter, que tenía un comportamiento impúdico, se convirtió en un hermoso bovino de pelaje blanco con la intención de seducir a una princesa fenicia cuyo nombre era Europa, el padre de la joven era Tiro.

Europa se divertía junto a sus amistades al margen de la playa, momento en el cual se acerca Júpiter transformado  en el precioso y dócil mamífero. Impresionada con el animal, en conjunto con sus amigas comenzó a elaborar guirnaldas floreadas para adornar las cornamentas del toro. La princesa no puedo evitar sentarse en el lomo del bovino, Júpiter se valió de ese instante para echar a correr con dirección al mar, llevándosela nadando hacia Creta; en este lugar se transforma nuevamente como humano toma a la chica beneficiándose de ella.

Rembrandt retrató la escena de rapto, que siempre ha sido la de mayor interés para los artistas, refleja a Europa asustada mientras se aferra al cuerpo del animal y se queda observando a sus amigas, las cuales no pudieron hacer más nada que ver el suceso. En la parte trasera, se visualiza el vehículo de Europa, adornado en oro, acorde a los lujos que posee una heredera de la realeza. En el fondo se percibe un puerto que pertenece a una metrópolis, ajustándose según muchos como una alusión a la ciudad de Ámsterdam, puesto que así como Fenicia era una gran urbe de comercio costero.

Lo que capta mayor interés del cuadro es la manera en la que el artista ha capturado la luz, con el tiempo casi que apunto de llover, una niebla liviana que cubre la metrópoli y un reducido claro que permita la entrada de los rayos solares, se percibe como una luminosidad enfocada específicamente al toro, a la princesa y sus compañeras.

Sansón

El titulo completo del cuadro es Sansón cegado por los filisteos, realizado por Rembrand en 1636, se trata de una pintura al óleo sobre lienzo de gran tamaño, contando con 205 cm de alto y 272cm de ancho.

Esta obra se incluye en el tema de imágenes religiosas realizadas por el pintor neerlandés a partir de la década de 1630, en la misma se muestra un pasaje religioso que se basa en lo drmático y violento, realzado por el movimiento y los recursos artísticos que dan mayor sensación de profundidad, así como se perciben en su obra llamada Sacrificio de Isaac. El personaje principal del cuadro es Sansón, quién era procedente de Israel y poseía una enorme fuerza más allá de lo natural, se unió en matrimonió dos veces con jóvenes filisteas, población que se encontraba en conflicto con el suyo. (ver artículo: Oscar Wilde)

La última de sus esposas llamada Dalila, se encontró con que la fuerza sobrenatural de aquel hombre se encontraba en su cabellera, por lo que aprovechó para quitarle la fortaleza a su esposo cortándolo el cabello,  situación que les facilito a los filisteos encadenarlo y cegarlo. Este es el momento que eligió retratar Rembrandt en su obra, se puede visualizar a Sansón bajo una luz que le da el realce de personaje principal en la pintura, se encuentra en el suelo debido a un filisteo, aprovechando los demás su caída para encadenarlo y quitársela la vista. En la parte anterior a acto, se distingue a Dalila marchándose con el cabello, sujetándolo con la mano izquierda y el instrumento que uso para cortarlo lo lleva en la otra mano.

En el rostro de Sansón se percibe el sentimiento de dolor y sufrimiento, aunado al gesto en la cara del filisteo hacia el lado derecho de la imagen. Al estilo de sus obras, el maestro le da protagonismo a la iluminación, direccionando la luz específicamente en el personaje principal de esta manera solo bordea a los filisteos sobre sus cascos y sus indumentarias, al igual que Dalila. La forma en la que Rembrandt hace uso de la iluminación está inspirada en los caravaggistas de Utrecht, los cuales expandieron el aspecto tenebroso por el norte de Europa, a su vez cabe señalar la importancia que el pintor le daba a los detalles, los cuales se pueden notar en la ejecución de las telas y la vestidura metálica de los atacantes.

El Rijksmuseum

El Rijksmuseum mejor conocido en español como Museo Nacional de Ámsterdam, como su nombre lo señala es un museo ubicado en Ámsterdam capital de Países Bajos, y el cual se dedica completamente al aspecto artístico, artesanal y contenido histórico. La característica de mayor atención sobre este museo es la vasta colección de obras pertenecientes a la hegemonía neerlandesa del siglo XVII, también conocida como Edad de Oro neerlandesa, también contiene obras de arte asiáticas y egipcias.

Las obras de los artistas de mayor renombre como Frans Hals, Rembrandt y Johannes Vermeer, con aquellas que capturan el mayor público de todas las galerías exhibidas en el museo.Sin embargo, destaca en el Rijksmuseum la amplia obra que poseen de Rembrandt, dentro de las que destacan “Autorretrato de joven”, “Autorretrato como el apóstol Pablo”, “Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén”, “Retrato de Johannes Wtenbogaert” éste último entró al museo en 1989, “Tetrato de Mari Trip” y “La ronda de noche”.

A mediados del 2015 entra dentro de la colección una pareja retratada por el maestro llamada “ Maerten Soolmans y su esposa Oopjen Coppit”, la pintura es la única en donde Rembrandt retrata los cuerpos enteros y de tamaño real. El monto de la adquisición fue de ciento sesenta millones de euros, compartiendo la mitad de los gastos con el Louvre de París, por lo que dicha obra se mantendrá exhibiéndose en las instituciones de forma alternada durante 5 y 8 años consecutivos.  (ver artículo: Edgar Allan Poe)

Rembrandt grabador

El artista neerlandés también tuvo un largo período en el cual diseñaba grabados, desde 1626 hasta 1660, abandona esta labor por motivos económicos, pues al caer en banca rota se vio en la necesidad de vender el estudio de grabado y abandonó parcialmente la actividad. Durante el período señalado únicamente pasó un año en el que no realizó trabajos de este tipo, el cual fue el año de 1649. Rembrandt tuvo mucha facilidad para realizar imágenes en esa técnica, a pesar que era ágil con el buril y era un grabador bastante diestro, la atención de sus grabados se centra en los estilos libres de su técnica.

De igual manera, el artista se formó de lleno en todo el procedimiento que requería la estampación, expertos aseguran que seguro se dedicó el mismo a estampar como mínimo los primeros estados de las planchas;  en sus inicios usaba una forma de hacerlos mediante dibujos, sin embargo en poco tiempo empezó a idear una autenticidad más parecida a la que tenían sus pinturas, mediante la combinación de cuerpos de líneas y agregando ácido de forma continua con el objetivo de obtener variados estratos de profundidad. El estilo y la metodología la fue desarrollando hasta que elaboró “La estampa de los cien florines”, resultando para el maestro ser una obra de la cual surgió su estilo final en lo que a grabados ser refiere.

En sus estampados más avanzados de la temporada correspondiente a la década de 1650, el renombrado artista se mostró con mayor receptividad para improvisar con el uso de las planchas, se tienen registros de amplias colecciones de estampado que en varios cases alcanzan la cantidad de once estados completamente diferentes unos de otros. También realizó experimentos con los efectos de estampado que se producen sobre distintas especies de papel o sobre pergamino de superficie particularmente pulida, sin embargo se ha concluido que únicamente se consideran genuinos los grabados realizados sobre papel japonés.

Dentro de sus variaciones en la metodología, usó de forma magistral el entrapado, para lograr una tonalidad superficial, así mismo destacó su habilidad con el uso de la pintura seca, y ejecuto gran cantidad de parajes en los cuales se percibe su esfuerzo por aprovechar las posibles aplicaciones de las líneas que se forman con este método.

Grabados

Los grabados de Rembrandt giran en torno a  las temáticas establecidas en sus obras al óleo, siempre mostrando mayor interés por autorretratarse, en su totalidad la colección suma veintisiete grabados, por el contrario no han encontrado muchos retratos originales.  Dentro de este estilo se encuentran 46 paisajes de su autoría, en su mayoría son grabados de pequeñas dimensiones; la tercera parte de sus grabados se basan en pasajes religiosos, que abarcan lo simple y lo espectacular.

De igual forma sobresalen de su repertorio escenas de erotismo que se acercan al límite de lo obsceno, algunos expertos no encuentra correspondencia entre estas obras y sus pinturas. Sin embargo a pesar de toda la gama de grabados realizados por el artista, este no pudo quedarse con ninguno de ellos pues fueron vendidos para solventar su situación económica gravemente afectada, al igual ocurrió con vara de las diversas estampas que poseía sobre otros profesionales del área como Mantegna, Hercules y Giovanni Benedetto Castiglione, entre otros, por quienes le sirvieron como inspiración.

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