Diego Velázquez: biografía, características, estilo y mucho más

Diego Velázquez es universalmente reconocido como uno de los mejores artistas del mundo. Con una brillante diversidad de pinceladas y sutiles armonías de color, logró efectos de forma y textura, espacio, luz y atmósfera que lo convierten en el precursor principal del impresionismo español del siglo XIX.

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Biografía de Diego Velázquez

Diego Velázquez nació en Sevilla, España, es el primer hijo de João Rodrigues de Silva y Jerónima Velázquez, fue bautizado posiblemente unos días después de haber nacido, en la iglesia de San Pedro en Sevilla el domingo 6 de junio de 1599, ya que sus abuelos paternos, Diogo da Silva y Maria Rodrigues, vivian allí, llegados desde su Portugal natal décadas antes. (Ver artículo: Francisco Franco)

Sus educaron a Diego,  para temer a Dios y, destinado a una profesión erudita, recibió una buena formación en idiomas y filosofía. Influenciado por muchos artistas, mostró una temprana inclinación hacia el arte; en consecuencia, comenzó a estudiar con Francisco de Herrera, un pintor enérgico que hizo caso omiso de la influencia italiana de la primera escuela de Sevilla. Diego Velázquez se quedó con él por un año. Probablemente fue de Herrera que aprendió a usar pinceles con cerdas largas. (Ver artículo: Dolores Ibárruri)

Después de dejar el estudio de Herrera cuando tenía 12 años, Diego Velázquez comenzó a servir como aprendiz con Francisco Pacheco, artista y maestro en Sevilla. Aunque considerado un pintor mediocre e indiferenciado, Pacheco a veces expresaba un realismo simple y directo en contradicción con el estilo que le enseñaron. Diego Velázquez permaneció en la escuela de Pacheco durante cinco años, estudiando la proporción y la perspectiva y siendo testigo de las tendencias en los círculos literarios y artísticos de Sevilla. (Ver artículo: Frida Kahlo)

A principios de la década de 1620, su posición y reputación estaban aseguradas en Sevilla. El 23 de abril de 1618,  Diego Velázquez se casó con Juana Pacheco, hija de su maestro. Ella le dio dos hijas, su única familia conocida. La mayor, Francisca de Silva Velázquez y Pacheco, se casó con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo en la Iglesia de Santiago de Madrid el 21 de agosto de 1633; la más joven, Ignacia de Silva Velázquez y Pacheco, nacida en 1621, murió en la infancia.

Diego Velázquez produjo obras notables durante este tiempo. Conocido por sus composiciones de divertidas escenas de género, también llamadas bodegones, como la Vieja friendo huevos, sus temas sagrados incluyen Adoración de los Reyes en 1619 y Jesús y los peregrinos de Emaús en 1626, los cuales comienzan a expresar su realismo más puntilloso y cuidadoso.

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El pintor fue a Madrid a mediados de abril de 1622, con cartas de presentación a Don Juan de Fonseca, quien era el sacerdote del Sumo Monarca. A solicitud de Pacheco, Diego Velázquez trazó el retrato del famoso poeta Luis de Góngora (Ver artículo: Salvador Dalí)

Es posible que Diego  Velázquez se detuviera en Toledo en su camino desde Sevilla, siguiendo el consejo de Pacheco, o que regresara de Madrid a la casa de Góngora.

En diciembre de 1622, murió Rodrigo de Villandrando, el pintor de la corte favorito del rey. Don Juan de Fonseca le transmitió a  Diego Velázquez la orden de ir a la corte del conde-duque de Olivares, el poderoso ministro de Felipe IV. Le ofrecieron 50 ducados para sufragar sus gastos, y fue acompañado por su suegro. Fonseca alojó al joven pintor en su propia casa y se sentó para un retrato de él mismo, que, cuando se completó, fue trasladado al palacio real.

El 16 de agosto de 1623, Felipe IV posó para Diego Velázquez. Completado en un día, el retrato probablemente no hubiera sido más que un boceto, pero tanto el rey como Olivares estaban complacidos. Olivares le ordenó a  Diego Velázquez que se mudara a Madrid, prometiendo que ningún otro pintor pintaría jamás el retrato de Felipe y que todos los demás retratos del rey serían retirados de circulación. (Ver artículo: Carlomagno)

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En el año siguiente, 1624, recibió 300 ducados del rey para pagar el costo de mudar a su familia a Madrid, que se convirtió en su hogar por el resto de su vida.

A través del retrato de busto del rey, pintado en 1623, Diego Velázquez aseguró su admisión al servicio real, con un salario de 20 ducados por mes, además de la asistencia médica, el alojamiento y el pago de las imágenes que podría pintar. El retrato fue exhibido en los escalones de San Felipe y fue recibido con entusiasmo.

Actualmente esta pintura se encuentra perdida. El Museo del Prado, sin embargo, tiene dos de los retratos del rey de Velázquez en los que la severidad del período de Sevilla ha desaparecido y los tonos son más delicados.

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En el mismo año, el Príncipe de Gales, Carlos I, llegó a la corte de España. Los registros indican que se sentó para Velázquez, pero la imagen ahora está perdida.

En septiembre de 1628, Peter Paul Rubens llegó a Madrid como emisario de la Infanta Isabel, y Diego Velázquez lo acompañó a ver a los Tizianos en El Escorial. Rubens le tenía una gran apreciación a Diego Velázquez, pero no tuvo una influencia significativa en su pintura, sin embargo, reforzó el deseo de Velázquez de ver Italia y las obras de los grandes maestros italianos.

En 1627, Felipe estableció una competencia para los mejores pintores de España con el objetivo de que pintaran su retrato y Diego Velázquez ganó. Su imagen fue destruida en un incendio en el palacio en 1734. Las descripciones grabadas dicen que representaba a Felipe III apuntando con su bastón a una multitud de hombres y mujeres que eran llevados por soldados, mientras que la personificación femenina de España estaba en calma reposo. Velázquez fue nombrado “gentleman usher” como recompensa.

Cinco años después de haberlo pintado en 1629, como pago adicional, Diego Velázquez recibió 100 ducados por la imagen de El triunfo de Baco. El espíritu y el objetivo de este trabajo se entienden mejor por su nombre alternativo español, Los Borrachos, que están rindiendo homenaje a un joven semidesnudo cubierto de hiedra sentado en un barril de vino. La pintura es firme y sólida, y la luz y la sombra se manejan con más destreza que en trabajos anteriores. En conjunto, esta producción puede tomarse como el ejemplo más avanzado del primer estilo de Velázquez.

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En 1629, Diego Velázquez se fue a vivir a Italia por un año y medio. Aunque su primera visita a Italia es reconocida como un capítulo crucial en el desarrollo de su estilo, y en la historia del Patrocinio Real de España, ya que Felipe IV patrocinó su viaje, se conocen pocos detalles de lo que vio el pintor, a quien conoció, cómo fue percibido y qué innovaciones esperaba introducir en su pintura. (Ver artículo: Dante Alighieri)

Es canónico dividir la carrera artística de Diego Velázquez por sus dos visitas a Italia, con su segunda agrupación de obras después de la primera visita y su tercera agrupación después de la segunda visita. Esta división algo arbitraria puede aceptarse, aunque no siempre se aplica, porque, como es habitual en el caso de muchos pintores, sus estilos a veces se superponen. Velázquez rara vez firmó sus pinturas, y los archivos reales dan las fechas de solo sus obras más importantes. La evidencia interna y la historia perteneciente a sus retratos suministran el resto hasta cierto punto.

Tras su regreso a España, Diego Velázquez pintó el primero de muchos retratos del joven príncipe y heredero del trono español, Don Baltasar Carlos, que se veía digno y señorial incluso en su infancia, con el uniforme de un mariscal de campo en su corcel. Don Baltasar murió en 1646 a la edad de diecisiete años, entonces, a juzgar por su edad en el retrato, debe haber sido pintado alrededor de 1641.

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El poderoso ministro Olivares fue el primer y constante patrocinador del pintor. Su rostro impasible y saturnino nos resulta familiar por los muchos retratos pintados por Diego Velázquez. Dos son notables: uno es de cuerpo entero, majestuoso y digno, en el que lleva la cruz verde de la orden de Alcántara y sostiene una varita mágica, la insignia de su oficio como maestro del caballo; en el otro, un gran retrato ecuestre, él está representado como un mariscal de campo durante la acción.

En estos retratos, Diego Velázquez pagó la deuda de gratitud que le debía a su primer patrón, a quien mantuvo durante su caída del poder, exponiéndose así al gran riesgo de la ira del celoso Felipe. El rey, sin embargo, no mostró ningún signo de malicia hacia su pintor favorito.

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El escultor Juan Martínez Montañés modeló una estatua en uno de los retratos ecuestres del rey de Diego Velázquez, pintado en 1636, que fue fundido en bronce por el escultor florentino Pietro Tacca y que ahora se encuentra en la Plaza de Oriente de Madrid. El original de este retrato ya no existe.

Diego Velázquez, en este y en todos sus retratos del rey, muestra a Felipe vistiendo la golilla, un cuello de lino rígido que se proyecta en ángulo recto desde el cuello. Fue inventado por el rey, que estaba tan orgulloso de él que lo celebró en un festival seguido de una procesión a la iglesia para agradecer a Dios por la bendición. Por lo tanto, la golilla estaba a la altura de la moda y apareció en la mayoría de los retratos masculinos de la época.

El pintor tenía una asistencia constante y cercana a Felipe, acompañándolo en sus viajes a Aragón en 1642 y 1644, y sin duda estaba presente con él cuando ingresó a Lérida como conquistador. Fue entonces cuando pintó un gran retrato ecuestre que representa al rey como un gran comandante al mando de sus tropas. Todo está lleno de animación, excepto la cara impasible del rey.

Cuando partió por segunda vez a Italia en 1649, estaba acompañado por su ayudante Juan de Pareja, quien en ese momento era un esclavo y había sido entrenado en pintura por él. Diego Velázquez zarpó de Málaga, desembarcó en Génova y procedió de Milán a Venecia, comprando pinturas de Tiziano, Tintoretto y Veronese a su paso.

En Módena fue recibido con mucho entusiasmo por el duque, y allí pintó el retrato del duque en la galería de Módena y dos retratos que ahora adornan la galería de Dresde, ya que estas pinturas provienen de la venta de Modena en 1746.

Esas obras presagian el advenimiento de la tercera y última moda del pintor, un noble ejemplo es el gran retrato del Papa Inocencio X en la Galería Doria Pamphilj en Roma. Allí fue recibido con emoción por el Papa, quien le regaló una medalla y una cadena de oro. Velázquez se llevó una copia del retrato con él a España.

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Diego Velázquez había alcanzado la manera abreviada, un término acuñado por los españoles contemporáneos para un estilo más audaz y más nítido. El retrato muestra tanta crueldad en la expresión de Inocencio que algunos en el Vaticano temieron que Diego Velázquez se encontrara con el disgusto del Papa, pero Inocencio estaba muy contento con el trabajo, colgándolo en la sala de espera. (Ver artículo: Juan Pablo II)

En 1650, en Roma, Diego Velázquez también pintó un retrato de Juan de Pareja, ahora en el Museo Metropolitano de Arte en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Este retrato consiguió su elección en la Academia de San Lucas. Supuestamente Velázquez creó este retrato como un calentamiento de sus habilidades antes de su retrato del Papa. Captura en gran detalle el semblante de Pareja y su vestimenta algo gastada y remendada con un uso económico de pinceladas. En noviembre de 1650, Juan de Pareja fue liberado por Velázquez. El documento legal existe.

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Durante su estancia en Roma, Diego Velázquez encargó doce copias en bronce de los leones Medici por Matteo Bonucelli da Lucca para la Sala de los Espejos en el Real Alcázar de Madrid, ahora en el Palacio Real de Madrid y el Museo del Prado.

El rey Felipe deseaba que Diego Velázquez regresara a España; en consecuencia, después de una visita a Nápoles, donde vio a su viejo amigo José Ribera, regresó a España vía Barcelona en 1651, llevándose consigo muchas imágenes y 300 piezas de estatuas, que luego fueron arregladas y catalogadas para el rey. A pesar de esto, la escultura no ondulada era detestable para la Iglesia española, y después de la muerte de Felipe, estas obras desaparecieron gradualmente. (Ver artículo: Ana Bolena)

Elisabeth de Francia había muerto en 1644, y el rey se había casado con Mariana de Austria, a quien Diego Velázquez pintó ahora en muchas ocasiones. Fue especialmente elegido por el rey para ocupar el alto cargo de alcalde aposentador, que le impuso el deber de ocuparse de los cuartos ocupados por la corte, una función responsable que no era sinecura y que interfería con el ejercicio de su arte, sin embargo, lejos de indicar un declive, sus obras de este período se encuentran entre los mejores ejemplos de su estilo.

Si no hubiera sido por este nombramiento real, que permitió a Velázquez escapar de la censura de la Inquisición, no habría podido lanzar su Venus del espejo, el único desnudo femenino sobreviviente de Velázquez.

En esencia, solo había dos patrones de arte en España: la iglesia y el rey y la corte amantes de las artes. Bartolomé Esteban Murillo fue el artista favorito de la iglesia, mientras que Diego Velázquez fue patrocinado por la corona. Una diferencia, sin embargo, merece ser notada. Murillo, que trabajó duro para una iglesia rica y poderosa, dejó muy pocos medios para pagar su entierro, mientras que Diego Velázquez vivió y murió disfrutando de un buen salario y una pensión.

Una de sus últimas obras fue Las hilanderas, pintadas hacia 1657, que representan el interior de las tapicerías reales o una representación de la Fábula de Arachne de Ovidio, según la interpretación. El tapiz en el fondo se basa en La violación de Europa de Tiziano, o, más probablemente, la copia que Rubens pintó en Madrid. Está lleno de luz, aire y movimiento, con colores vibrantes y un manejo cuidadoso.

Anton Raphael Mengs dijo que este trabajo parecía haber sido pintado no por la mano sino por la fuerza pura de la voluntad. Muestra una concentración de todo el conocimiento artístico que Velázquez había reunido durante su larga carrera artística de más de cuarenta años.

Los retratos finales de Velázquez de los niños reales están entre sus mejores obras. En la pintura de la Infanta Margarita Teresa en un vestido azul, el estilo personal del pintor alcanzó su punto culminante: manchas brillantes de color en amplias superficies de pintura producen un efecto casi impresionista, el espectador debe pararse a una distancia adecuada para obtener la impresión de una espacialidad tridimensional completa.

Su único retrato sobreviviente del enfermizo Príncipe Felipe el Próspero es notable por la combinación de las dulces características del niño príncipe y su perro. La esperanza que se colocó en ese momento en el único heredero de la corona española se refleja en la representación. Un perro pequeño con los ojos muy abiertos mira al espectador como interrogante, y el fondo en gran medida pálido insinúa un destino sombrío: el pequeño príncipe tenía apenas cuatro años cuando murió. Como en todas las últimas pinturas del artista, el manejo de los colores es extraordinariamente fluido y vibrante.

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En 1660, un tratado de paz entre Francia y España fue consumado por el matrimonio de María Teresa con Luis XIV, y la ceremonia tuvo lugar en la Isla de los Faisanes, una pequeña isla pantanosa en el Bidassoa. Diego Velázquez fue responsable de la decoración del pabellón español y de toda la exhibición escénica. Atrajo mucha atención de la nobleza por su porte y el esplendor de su traje.

El 26 de junio regresó a Madrid y el 31 de julio tuvo fiebre. Sintiendo que se acercaba su fin, firmó su testamento, designando como su único ejecutor a su esposa y su amigo firme llamado Fuensalida, guardián de los registros reales.

Diego Velázquez murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en la bóveda Fuensalida de la iglesia de San Juan Bautista, y en ocho días su esposa Juana fue sepultada a su lado. Desafortunadamente, esta iglesia fue destruida por los franceses en 1811, por lo que ahora se desconoce su lugar de enterramiento.

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Hubo muchas dificultades para ajustar las enredadas cuentas pendientes entre Diego Velázquez y la corona, y no fue hasta 1666, después de la muerte del rey Felipe, cuando finalmente se resolvieron.

Características de Diego Velázquez

Diego Velázquez es considerado como uno de los máximos expositores del arte barroco y el impresionismo español, convirtiéndose en un hombre que dedicó su vida a la realización de pinturas destinadas a la realeza y a los aristócratas. (Ver artículo: Joan Miró)

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Entre las características que se destacan en todas sus obras encontramos:

Estilo de Diego Velázquez

Las pinturas de Diego Velázquez son simples, directa, sencillas dan sensación de calma  tanto en estilo como en ejecución.Entonces se puede decir que estilísticamente, Diego Velázquez está más cerca de Caravaggio o de Annibale Carracci que de artistas más extravagantes como Rubens o Bernini.

El estilo de Diego Velázquez puede caracterizarse por su simplicidad,sencillez,seriedad, paleta limitada y pincelada floja e impresionista.

Estilo temprano de Diego Velázquez

Diego Velázquez pinta exactamente lo que ve, imprimiendo exquisitamente texturas y telas sin la necesidad de acicalar o añadir adornos. Al igual que los pintores del norte de Italia, el estilo de  Diego Velázquez está marcado por un naturalismo directo y comparativo. Esto es especialmente evidente en los impresionantes elementos de naturaleza muerta que abundan en estos primeros trabajos, especialmente la Vieja friendo huevos y el Aguador de Sevilla

El pintor empleó una paleta opaca, sobria, moderada y terrosa a lo largo de toda su carrera, pero las primeras pinturas en particular se destacan por sus moderados tonos de terracota. Uno de los aspectos más excepcionales del estilo de Diego Velázquez a lo largo de su carrera es la cantidad de detalles y explicación majestuosa y objetiva de los temas más humildes que él describió con dignidad y humanidad innatas.

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Estilo maduro de Diego Velázquez

Los historiadores de arte suelen dividir en dos períodos: pre-Italia y post-Italia el estilo de Diego Velázquez. Visitar a los maestros italianos a finales de la década de 1620 seguramente  tuvo un enorme influencia en el arte de Diego Velázquez, aunque es difícil entender que artista en particular predomina en su estilo.

Se ha establecido que Diego Velázquez aprendió muchas lecciones de los venecianos, pero su técnica en la fabricación de telas era muy diferente de la de sus contemporáneos o predecesores.  Diego Velázquez, realizaba un torbellino de pintura sueltas e impresionistas que creaban una imagen asombrosa y realista desde lejos, pero que al examinarlas más de cerca parecían casi abstracta, ya que el eludía realizar pinceladas precisas y cuidadosas.

Técnica de Diego Velázquez

Diego Velázquez es a menudo descrito como una especie de precursor del Impresionismo y, de hecho, pintores impresionistas como Manet adoraron a este artista del Barroco español, y se inspiraron particularmente en su pincelada inusualmente fluida y libre. Nótese, por ejemplo, la representación sorprendentemente abstracta de la mano y la paleta del artista en Las Meninas, o el tratamiento similarmente abstracto del cuerpo del pequeño perro en el retrato del Infante Felipe Próspero.

En pasajes como estos, la pincelada de  Diego Velázquez es suelta, fluida y completamente presente en el lienzo, como si desafiara el realismo de la imagen. Diego Velázquez se burla de delinear contornos precisos, en lugar de crear forma de color y luz puros.

A pesar de este estilo abstracto, sin embargo, Diego Velázquez aún logra transmitir una sensación de realismo y vitalidad.

Obras de arte de Diego Velázquez

Esta es una lista de pinturas del artista español del siglo XVII Diego Velázquez. Velázquez no fue prolífico; se estima que produjo entre 110 y 120 lienzos conocidos. Entre estas pinturas, sin embargo, hay muchas obras ampliamente conocidas e influyentes.

Todas las pinturas están en óleo sobre lienzo y pertenecen al estilo barroco español.

Las Meninas de Diego Velázquez

La hija mayor de la reina Mariana de Austria, la infanta Margaret Theresa parece ser la persona de Las Meninas, creación pintada en su estudio en el Alcázar de Felipe IV en Madrid en el año 1656, en esta obra maestra de Diego Velázquez, no está claro quién o qué es el verdadero sujeto. (Ver artículo: Miguel Ángel Buonarroti)

¿Es la hija real, o tal vez el pintor mismo? La respuesta puede estar en la imagen en la pared posterior, representando al Rey y la Reina. ¿Es esta imagen un espejo, en cuyo caso el Rey y la Reina están parados donde está el espectador? ¿Son ellos el tema del trabajo de  Diego Velázquez? ¿O es el trabajo simplemente una pintura de la corte?

Creado cuatro años antes de su muerte, sirve como un ejemplo sobresaliente del arte barroco europeo .Este trabajo ha sido un delirio desde su creación; Luca Giordano, un pintor italiano contemporáneo, se refirió a él como la “teología de la pintura”, y en el siglo XVIII el inglés Thomas Lawrence lo citó como la “filosofía del arte”, tan decididamente capaz de producir el efecto deseado.

El efecto que ha  producido esta majestuosa obra, ha sido interpretado de diversas maneras; Dale Brown comentó que, al insertar Diego Velázquez dentro de la obra un retrato descolorido del rey y la reina colgando en la pared trasera, había pronosticado la caída del imperio español que iba a cobrar impulso tras su muerte. Otra interpretación es que el retrato es, de hecho, un espejo, y que la pintura está en la perspectiva del Rey y la Reina, por lo que su reflejo se puede ver en el espejo de la pared posterior.

La superficie pintada se divide en cuartos horizontalmente y séptimos verticalmente; esta cuadrícula se usa para organizar la agrupación elaborada de caracteres, y era un dispositivo común en ese momento. Diego Velázquez presenta nueve figuras, once si se incluyen las imágenes reflejadas del rey y la reina, pero ocupan sólo la mitad inferior del lienzo.

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En el centro del primer plano se encuentra la Infanta Margarita Teresa, que era en este momento la única hija sobreviviente de Felipe y Mariana.  A ella la asisten dos damas de honor, doña Isabel de Velasco, que está a punto de hacer una reverencia a la princesa, y doña María Agustina Sarmiento de Sotomayor, que se arrodilla ante ella, ofreciéndole una bebida de una taza roja que sostiene en una bandeja dorada.

A la derecha de la infanta hay dos enanos: María Bárbola, y el italiano, Nicolás Pertusato, que juguetonamente tratan de despertar a un mastín soñoliento con su pie. Detrás de ellos se encuentra doña Marcela de Ulloa, la acompañante de la princesa, vestida de luto y hablando con un guardaespaldas desconocido.

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Las Hilanderas de Diego Velázquez

Las Hilanderas es una pintura de Diego Velázquez, ubicada en el Museo del Prado de Madrid, España, que data de alrededor de 1657.

Se creía habitualmente, que la pintura mostraba mujeres trabajadoras en el taller de tapices de Santa Isabel. En 1948, Diego Angula observó que la iconografía sugería la Fábula de Arachne de Ovidio, la historia de Arachne mortal que se atrevió a desafiar a la diosa Atenea a una competencia de tejido y, al ganar el concurso, la diosa la convirtió en araña. Esto ahora se acepta generalmente como la interpretación correcta de la pintura.

En Las Hilanderas, Diego Velázquez desarrolló una composición estratificada, un enfoque que había usado a menudo en sus bodegones anteriores. En el primer plano de esta obra esta el concurso. La diosa Atenea, disfrazada de anciana, está a la izquierda y Arachne, con una blusa blanca de espaldas al espectador, está a la derecha. Tres ayudantes. En el fondo, una plataforma elevada, muestra los tapices terminados.

Los elementos peculiares, como la ligereza, el uso económico de la pintura y la clara influencia del Barroco italiano, han llevado a muchos estudiosos a afirmar que fue pintado en 1657,otros lo ubican, entre 1644-1650.

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La pintura ha sido interpretada como un emblema de las artes, por el alcance del esfuerzo creativo que esta simboliza, con las bellas artes personificada por la diosa y las artesanías representadas por Arachne.

Otros piensan que el mensaje de Diego Velázquez fue simplemente que para crear grandes obras de arte, se requiere una gran creatividad y trabajo técnico. Otros estudiosos creen que simbolizan políticas sobre el trabajo y lo interpretaron a través de la cultura popular.

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Cristo Crucificado de Diego Velázquez

Cristo Crucificado es una pintura de Diego Velázquez que representa la Crucifixión de Jesucristo. La obra, pintada al óleo sobre lienzo, mide 249 × 170 cm.Debido a la falta de información, la fecha de la pintura es desconocida, algunos historiadores creen que fue realizada entre 1631 y 1632. 

Durante su permanencia en Roma, Diego Velázquez realizó varios estudios de desnudos, que utilizó en pinturas posteriores como esta, donde se observa magistralmente la serenidad, la dignidad y nobleza. Es un desnudo frontal de tamaño natural, sin el apoyo de una escena narrativa.

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Diego Velázquez siguió las imágenes aceptada en el siglo XVII: cuatro uñas, pies juntos y apoyados contra una pequeña abrazadera de madera, en una clásica postura de contraposto. Ambos brazos dibujan una curva sutil, en lugar de formar un triángulo. El taparrabos está pintado bastante pequeño, revelando gran parte el cuerpo desnudo. La cabeza muestra una pequeña corona, como si proviniera de la figura misma; la cara descansa sobre el cofre, ofreciendo suficiente de sus rasgos, el pelo largo y liso cubre gran parte de la misma, tal vez presagiando la muerte, ya ocasionada, como lo muestra la herida en el lado derecho. Carece de las cualidades dramáticas características de la pintura barroca.

La influencia de la pintura clasicista se demuestra por la postura tranquila del cuerpo, la cara sublimada y la cabeza inclinada. Por otro lado, la influencia del Caravaggismo se puede ver en el fuerte claroscuro entre el fondo y el cuerpo, y en el fuerte relámpago artificial sobre la cruz. (Ver: Leonardo Da Vinci)

Se cree que esta obra fue realizada para la sacristía del Convento de San Plácido. La pintura estaba entre los objetos confiscados de Manuel Godoy, pero fue devuelta a María Teresa de Borbón. Después de su muerte, la pintura pasó a manos de su cuñado, el duque de San Fernando de Quiroga, quien se la dio al rey Fernando VII,quien la envió al Museo del Prado, donde permanece.

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Venus de Diego Velázquez

La Venus del espejo es una pintura de Diego Velázquez, realizada entre 1647 y 1651, y probablemente pintado durante la visita del artista a Italia, la obra representa a la diosa Venus en una pose sensual, acostada en una cama y mirando a un espejo sostenido por el dios romano del amor físico, su hijo Cupido.

Las principales obras que preceden como fuentes de inspiración para Diego Velázquez al realizar esta creación son la Venus durmiente de Giorgione (hacia 1510) y la Venus de Urbino (1538) de Tiziano.

En este trabajo,Diego Velázquez combinó dos poses establecidas para Venus: reclinada sobre un sofá o una cama, y ​​mirando un espejo. A menudo se la describe como mirarse en el espejo, aunque esto es físicamente imposible ya que los espectadores pueden ver su rostro reflejado en su dirección. Este fenómeno se conoce como el efecto Venus. En varias formas, la pintura representa una salida pictórica, a través de su uso central de un espejo, y porque muestra el cuerpo de Venus alejado del observador de la pintura.

 

La Venus es el único desnudo femenino sobreviviente de Diego Velázquez, ya que estos eran muy raros en el arte español del siglo XVII, que fue vigilado enérgicamente por miembros de la Inquisición española. A pesar de esto, esta pintura fue colgada en las casas de los cortesanos españoles hasta 1813, cuando fue llevada a Inglaterra para colgar en Rokeby Park, Yorkshire. En 1906, la pintura fue comprada por National Art Collections Fund para National Gallery, Londres. Aunque fue atacada y gravemente dañada en 1914 por la sufragista Mary Richardson, pronto fue completamente restaurada y devuelta a la pantalla.

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Infanta Margarita de Diego Velázquez

La infanta Margarita Teresa con un traje azul es uno de los retratos más conocidos del pintor español Diego Velázquez. Elaborado en óleo sobre lienzo, mide 127 cm de alto por 107 cm de ancho y fue una de las últimas pinturas de Diego Velázquez, producida en 1659, un año antes de su muerte. Actualmente, la pintura está en el Kunsthistorisches Museum.

Este es uno de los muchos retratos cortesanos realizados por Diego Velázquez, en diferentes ocasiones, de la Infanta Margarita. Ella es la pequeña infanta que aparece en Las Meninas (1656).

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La infanta, de ocho años, se muestra con una expresión imponente. Ella usa un vestido de seda azul que está adornado con bordes de plata según la moda española de la época; la característica más llamativa es la gran extensión de la crinolina voluminosa que se acentúa por los bordes recortados y el cuello de encaje ancho. En una de sus manos sostiene un manguito de piel marrón, tal vez un regalo de Viena. La joven, que se presenta como bella y atractiva, tiene un semblante pálido realzado por tonos azules y plateados. En el fondo, hay una mesa de consola alta con un espejo redondo detrás de ella.

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El Aguador de Sevilla de Diego Velázquez

Este es el título de tres pinturas del artista español Diego Velázquez, que data de 1618-1622. La versión original se considera una de las mejores obras del período sevillano del pintor y se exhibe en la Galería Waterloo de Apsley House.

El sujeto de la pintura es un aguardor, un oficio común para las clases más bajas en la Sevilla de Diego Velázquez. En los frascos y los víveres utilizó la técnica de pinceladas sueltas que se funden sólo cuando se ven desde cierta distancia. El vendedor tiene dos clientes: un niño pequeño, y un joven en las sombras de fondo.

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En primer plano, se observan las gigantescas y redondeadas ollas de agua del vendedor, que brillan con salpicaduras de agua, casi sobresalen de la pintura hacia el espacio del observador. El vendedor le entrega un vaso de agua recién vertida al niño. En él se sienta un higo, un perfumista destinado a hacer que el agua tenga un sabor más fresco

El respeto de Diego Velázquez por los pobres se evidencia en la idea de que la naturaleza simple y elemental de la pobreza es profunda y efectiva.

Diego Velázquez tenía como objetivo representar en su obra lo más preciso y  fiel de la vida. Captura las imperfecciones de las macetas del vendedor, la humedad en los costados, el brillo de la luz sobre las pequeñas gotas de agua y vidrio, y las expresiones realistas de los personajes.

El Aguador exhibe los principios de la técnica encontrada en las creaciones maduras del artista. Su idea de la persona del vendedor es revelador de su visión de los temas de sus grandes retratos, y su interpretación precisa de los pequeños detalles de la realidad demuestra su aprecio hacia lo humano.

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Los Borrachos de Diego Velázquez

El Triunfo de Baco es una pintura de Diego Velázquez, ahora en el Museo del Prado, en Madrid. Es popularmente conocido como Los borrachos.

Diego Velázquez pintó Los Borrachos después de llegar a Madrid desde Sevilla y justo antes de su viaje a Italia. La obra fue pintada para Felipe IV, quien le pagó a Velázquez 100 ducados por ello.

Los Borrachos ha sido descrita como la  obra maestra de las pinturas de 1620 de Diego Velázquez.

En este trabajo, Baco se representa como una persona en el centro de una pequeña celebración, su piel es más pálida que la de sus compañeros, haciéndolo más fácilmente reconocible, el resto del grupo, aparte de la figura desnuda hasta la cintura detrás del dios, están en el traje contemporáneo de la gente pobre en la España del siglo XVII.

La obra representa a Baco como el dios que premia o regala a los hombres con vino, liberándolos temporalmente de sus problemas. En la literatura barroca, Baco se consideraba un símbolo de la liberación del hombre de la esclavitud de la vida cotidiana.

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La escena se puede dividir en dos mitades. A la izquierda, está la muy luminosa figura de Baco, su pose dominante pero relajada que recuerda un tanto a la de Cristo en muchas escenas del Juicio final, que a menudo se muestra sentado y desnudo hasta la cintura. Baco y el personaje detrás de él están representados en las túnicas sueltas tradicionales usadas para las representaciones del mito clásico. La idealización del rostro del dios se destaca por la luz clara que lo ilumina en un estilo más clasicista.  

El lado derecho, sin embargo, presenta a algunos borrachos, hombres de las calles que nos invitan a unirnos a su fiesta, con un ambiente muy español. No hay idealización presente en sus caras grandes y gastadas, aunque la figura arrodillada frente al dios es más joven y mejor vestida que las otras, con espada y botas altas. Las figuras se muestran con claroscuro y tienen una piel mucho más oscura.

Hay varios elementos del naturalismo en esta obra, como la botella y el cántaro que aparecen en el suelo cerca de los pies del dios;  Diego Velázquez empleó el contraste del brillante cuerpo del dios para brindar alivio y textura a la botella y al cántaro, creando algo parecido a una naturaleza muerta.

Estos frascos son muy similares a los que aparecen en las pinturas realizadas por Diego Velázquez durante su período en Sevilla, y la combinación de elementos de la naturaleza muerta de las figuras del género naturalista se relaciona con los temas del bodegón que pintó allí.

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Autorretrato de Diego Velázquez

El Autorretrato fue trazado por Diego Velázquez alrededor de 1640. En conjunto con Las Meninas representa la única obra firmada, que ha perdurado a través del tiempo, del pintor.

En primera instancia parte de una recopilación que se encuentra guardada en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, una fundación dedicada a la cultura ubicada en Valencia, España, no obstante, en 1835 fue cedida a Francisco Martínez Blanch y hoy en día se halla en un almacén en el Museo de Bellas Artes

Este autorretrato fue pintado en un óleo sobre lienzo, mide 45,8 cm x 38 cm y pertenece al estilo barroco característico de Diego Velázquez

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Vieja Friendo Huevos de Diego Velázquez

Es otra de las pintura de Diego Velázquez, producido durante su período de Sevilla. La fecha no se conoce con exactitud, pero se cree que fue alrededor de 1618. La pintura se encuentra en la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo. Diego Velázquez frecuentemente usaba caracteres de la clase trabajadora en pinturas tempranas como esta, en muchos casos usando a su familia como modelos.

La Vieja Friendo Huevos se considera una de las primeras obras de Diego Velázquez. Como otros, muestra la influencia del claroscuro, con una fuerte fuente de luz que entra desde la izquierda iluminando a la mujer, sus utensilios y los huevos furtivos, mientras arroja el fondo y el niño parado a su derecha en la sombra profunda.

Aquí el claroscuro es muy intenso, tanto que sería imposible ver la pared en la parte inferior de la pintura, sino la canasta que cuelga de ella; simultáneamente logra combinar la oscura oscuridad y los altos contrastes de luz y sombra con el uso de matices sutiles y una paleta dominada por ocres y marrones. La composición está organizada como un óvalo con las figuras del medio en el plano más cercano, atrayendo así al espectador.

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El realismo es casi fotográfico y muestra platos, cubiertos, sartenes, vasijas y morteros de todos los días, capturando el brillo especial en una superficie de vidrio y el juego de luces en el melón llevado por el niño. La bandeja de cocción está muy bien capturada, con su aceite para escupir y las claras de los huevos.  Diego Velázquez también trabajó especialmente duro en el detalle de las manos de las dos figuras.

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La Fragua de Vulcano de Diego Velázquez

La obra Apolo en la Fragua de Vulcano o mejor conocida como la Fragua de Vulcano, es una pintura al óleo de Diego de Velázquez completada después de su primera visita a Italia en 1629. Los críticos coinciden en que la obra debe estar fechada hasta 1630.

La Fragua de Vulcano, ha sido citado como una de las obras más importantes del primer viaje de Velázquez a Italia  y una de sus composiciones más exitosas con respecto a la interacción unificada y natural de las figuras.

La pintura representa el instante en que el dios Apolo, identificable por la corona de laurel en su cabeza, visita a Vulcano, que se encuentra haciendo armas para la guerra. El dios Apolo le dice a Vulcano que su esposa, Venus, está teniendo unamorío con Marte, el dios de la guerra. Por esta razón, las otras figuras en la habitación están mirando con sorpresa al dios que acaba de aparecer ante ellos, algunos incluso abriendo sus bocas para indicar sorpresa.

Diego Velázquez se inspiró para crear esta obra mediante un grabado de Antonio Tempesta, cambiandolo en gran manera y destacando la acción narrativa en la llegada de Apolo, utilizando un estilo barroco clásico. Predomina el interés contemporáneo por las figuras desnudas, influenciadas por las estatuas greco-romanas y el movimiento clásico de Guido Reni. El método de composición estilo friso también podría provenir de Reni. Por otro lado, las sombras claras de la figura de Apolo recuerdan a Guercino.

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Esta obra fue creada en Roma sin comisión a pedido del pintor Peter Paul Rubens, que también había visitado España en 1629.  Diego Velázquez pintó dos grandes lienzos en la casa del embajador español. Estos dos paños conformaron un par y fueron traídos a España con su equipaje: la túnica de José y Apolo en la fragua de Vulcano. Esta obra es parte de la colección en colaboración de Diego Velázquez y el Museo del Prado

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Juan de Pareja de Diego Velázquez

El Retrato de Juan de Pareja es una pintura del artista español Diego Velázquez de su asistente Juan de Pareja, un notable pintor por derecho propio, quien fue esclavizado y fue propiedad de Velázquez en el momento en que se completó la pintura. Velázquez pintó el retrato en Roma, mientras viajaba en Italia, en 1650. Es el primer retrato conocido de un hombre de descendencia africana.

En 1648, como pintor de la corte de Felipe IV de España, Diego Velázquez fue enviado a Roma para comprar obras de arte para el Alcázar de Madrid. Velázquez trajo consigo a Juan de Pareja, un esclavo, que se desempeñó como asistente en el taller del artista.

Durante su estancia en Roma, Velázquez ejecutó un retrato al óleo de Juan de Pareja, que se exhibió como parte de una exposición más grande de pinturas en el Panteón el 19 de marzo de 1650.

Diego Velázquez pintó el retrato de Juan de Pareja, que era de ascendencia morisca, en su taller, como un ejercicio en preparación para su retrato oficial del Papa Inocencio X. Esta pintura refleja la exploración de Velázquez de las dificultades que encontraría en el retrato del Papa.

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Para compensar una paleta restringida de colores, Diego Velázquez adoptó un estilo de pincelada flojo, casi impresionista, para darle una vitalidad intensa a su tema.

Fue la primera pintura en vender por más de £ 1,000,000. En el momento de la compra de la pintura por el Museo Metropolitano de Arte en 1970, la consideraron una de las adquisiciones más importantes en la historia del museo. La pintura está en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte en la ciudad de Nueva York.

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La rendición de Breda de Diego Velázquez

La rendición de Breda es una pintura del pintor español de la Edad de Oro Diego Velázquez. Se completó durante los años 1634-35, inspirada por la visita de Velázquez a Italia con Ambrogio Spinola, el general genovés que conquistó Breda el 5 de junio de 1625. Es considerada una de las mejores obras del pintor.

Esta obra fue una de las doce escenas de batalla de tamaño real destinadas a perpetuar las victorias ganadas por los ejércitos de Felipe IV que colgaron en el Salón de Reinos en el Buen Retiro. Ilustra el intercambio de llaves que ocurrió tres días después de que se firmara la capitulación entre España y los Países Bajos el 5 de junio de 1625. Por lo tanto, el foco de la pintura no está en la batalla misma, sino en la reconciliación.

En el centro de la pintura, literal y figurativamente, está la clave que le dio Justin de Nassau a Spinola. Esta pintura de batalla es notable por sus cualidades estéticas y sentimentales.

El respeto extraordinario y la dignidad que demostró Spinola hacia el ejército holandés son elogiados a través de La rendición de Breda. Spinola había prohibido a sus tropas burlarse o abusar del vencido holandés, y, según un informe contemporáneo, él mismo saludó a Justin.

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La pintura demuestra los destellos de la humanidad que pueden ser expuestos como resultado de la guerra, y elogia la consideración de Spinola por Nassau y el ejército holandés.

La relación de Diego Velázquez con Spinola hace que la obra sea históricamente precisa. La representación de Spinola es indudablemente exacta, y el recuerdo de la batalla de Spinola contribuyó a la perspectiva con la que Velázquez compuso la pintura.

El conocimiento de Velázquez de la historia íntima del asedio de Breda hace de La rendición de Breda un comentario histórico especialmente importante.

Diego Velázquez deseaba en su modesto modo levantar un monumento a uno de los capitanes más humanos de la época, dando permanencia a su verdadera figura de una manera que solo él tenía el secreto. La rendición de Breda saluda un momento de convergencia entre el poder español, la moderación y la bondad en la batalla.

Poemas de Diego Velázquez

A pesar de la creencia común y de ciertos rumores que se han establecido a lo largo de la historia, Diego Velázquez nunca llegó a escribir ningún poema a lo largo de su vida

Más allá del hecho de que no escribió poemas, sus pinturas son recordadas como los versos que lo caracterizaron en vida y durante su muerte, ya que su precisión es admirable e irrepetible

Frases de Diego Velázquez

“El odio es sólo la tristeza del amor.” Diego Velázquez

“Considero a Tiziano mi pintor favorito.” Diego Velázquez

“Una mujer no es un ser humano, es la razón de los seres humanos.” Diego Velázquez

“Hablan de amor y no saben que es un corazón.” Diego Velázquez

“La gente llora con lo que se ilusionó y no por lo que sintió.” Diego Velázquez

“Cada quien le da su propio significado al amor.” Diego Velázquez

“Amo la pintura de Tintoretto con todo su corazón y pureza de afectos.” Diego Velázquez

“Ignorantes que hablan de la humildad y no valoran una simple tajada de pan.” Diego Velázquez

“Considérate viejo cuando tengas más recuerdos que sueños.” Diego Velázquez

“Procura que tus sueños se vuelvan metas y no se queden sólo en sueños.” Diego Velázquez

“No sirve de nada tener lo mejor y no ser el mejor.” Diego Velázquez

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